2台ピアノで見えてきた、オーケストラとの呼吸
2回目のレッスンは、先生にオーケストラパートを弾いていただき、2台ピアノでのレッスンでした。
前回は、ひとりで音を作る感覚。
でも今回は、そこに“相手”がいる。
その瞬間、同じ曲なのに、まったく違うものになりました。
まず感じたのは、「ひとりでは成立していたことが、成立しなくなる」ということ。
少しのリズムの揺れ。
なんとなく流していた音。
それがすべて、ズレとしてはっきり見えてくる。
でも逆に言うと、ぴたりと合った瞬間の気持ちよさは、ひとりでは味わえないものでした。
特に大きかったのは、左手の役割です。
これまで「伴奏」として捉えていた左手が、
実はオーケストラと一緒に音楽を支える、重要な存在だったこと。
左手が安定すると、オーケストラも一緒に呼吸しやすくなる。
逆に、左手が曖昧だと、右手がどれだけ頑張っても音楽がまとまらない。
“ソリストなのに、支える側でもある”
その感覚が、少しずつ見えてきました。
そして第2楽章。
ここでは、右手のメロディーについて
とても印象的なアドバイスをいただきました。
「小さく弾くんじゃなくて、深く弾く」
「長いフレーズだからこその美しさ」
ピアノでも、ちゃんと“聴かれる音”であること。
オーケストラがいない瞬間こそ、音楽を止めないこと。
むしろそこは、ソリストがひとりで空間を満たす時間。
怖さもあるけれど、同時に、いちばん自由な時間でもある。
「聴かれているから怖い」ではなく、
「この音で空間をつくる」と思って弾くこと。
この言葉は、すごく大きかったです。
そして全体を通して感じたのは、
合わせるということは、
決して“遠慮すること”ではない、ということ。
むしろ、自分の音楽をしっかり持った上で、相手と呼吸すること。
そのバランスが、コンチェルトの面白さであり、難しさでもあると感じました。
まだまだ課題はたくさんあります。
リズムの安定。
左手の精度。
フレーズの流れ。
でも、オーケストラパートのハーモニーが入ることで、目指す方向が、ぐっとはっきりしてきました。
ひとりでは見えなかった景色が、少しずつ見え始めています。
ここから、本番に向けてどう変わっていくのか。
その過程も大切にしながら、進んでいきたいと思います。
